Galleria Lia Rumma is pleased to present a solo exhibition of works by Armando Testa, under the title “punto e basta”.

Armando Testa was one of Italy’s greatest creative minds, a protagonist of contemporary visual culture, and the creator of symbols that have entered the collective imagination. He explored countless visual forms and created timeless masterpieces, the modernity of which is now a source of inspiration for contemporary artists. His works reveal a great understanding of the semiotic and visual processes that are at the heart of our system of communication, using his images to create double entendres and new meanings. The outcome of extensive archive research, the exhibition includes drawings, screen prints and photographs, but also paintings, sculptures, and design objects, with the aim of exploring the conceptual aspects of Testa’s work. It shows how his intuitive understanding of communication was the result of a creative process that originated in art. This was then transformed to create images that reflected the changes that were under way and a future that was not yet visible to all. A perfect example of this process is his Uno e mezzosculpture (1960), on display in the first room: it is what we all know as Punt e Mes – an image linked to the logo of the famous Carpano vermouth. It actually came from a minimalist sculpture of the mid-1950s, which consisted of a sphere reduced by half in starkest simplicity. Accompanying it, in the first room, there is also a series of works that combine Armando Testa’s interest in art with his interest in design. On one wall we find a series of works made of laminate, with elaborate period frames place around them to highlight the pictorial value of the works themselves, in an explicit tribute to the great Piet Mondrian. They recall the frames used to mount antique mirrors, which have been replaced by paintings made of perpendicular lines and geometrical blocks of primary colours, coupled with black and white. It is as though Testa were telling us that, rather than reflecting our own images, we should aspire to a constant search for the harmony and formal perfection that Mondrian achieved in his art. In front of each of these paintings is the universally renowned Sedia AT(1990), the chair made using the shape of his initials in their most elementary form, with the seat in the shape of an A and the back in that of a T. These chairs have performative overtones, for Testa drew inspiration for them from a real situation, probably one of the countless conferences he attended, in which the speaker turned out to be intensely boring. This gave him the idea of a roomful of these units and the public, himself included, would turn round and sit astride the chair, with their arms and heads on the T. During the most critical moments of the conference, they would start snoring loudly. Following his own instructions, these chairs are shown in the exhibition as though they were kneelers in a church, expressing even more forcefully the idea of mirroring and, at the same time, contemplating the geometrical shapes of the works inspired by Mondrian. The room also has another three works. A chair-pencil in which one of the legs is in the form of a pencil that pierces the seat, creating a precarious equilibrium. The object symbolises the love-hate relationship he had with his profession: martyred in his body when forced to sit for hours on end, but at the same time with joy in his mind during the act of creation. Next to this is his Armadio Y cupboard (1971), which represents one of the identifying features of a person in our imagination, and in its use. Testa decides to decorate it with a large letter of the alphabet in relief: the juxtaposition of different letters is well-suited to the creation of personal messages. The works are accompanied by his anthropomorphic chair, or Sedia Antropomorfa, of 1976, which suggests the idea of both an object and a person. The dominant theme on the first floor is that of hands and, in particular, of fingers. Testa had a real obsession with fingers, which he often used as images in his works, as we see in the composite series of drawings, watercolours and small paintings shown on one of the walls of the room, which he made from the 1960s. We also see this in the series of photos on display on the wall opposite. The intention behind the display is to show how the image of hands and fingers conceptually embraces the other works on show here. This is clear to see in the Mani series of ceramic hands, made between 1969 and 1987 and, in a subtler way, in the mechanical eagle, Aquila meccanica (1977), the realism of which is upset by the insertion of a mechanical eye and the disorienting colour of the industrial paint that covers the feathers of the royal bird. Once again highlighting the importance of the role and iconography of hands, they represent the artist’s fingerprints. The exhibition ends on the second floor with some of Testa’s most famous and best-known creations, which he made from the end of the 1950s in the form of fantastical characters and animals. These often came from visual games played between the Pop language of the subjects and the surrealism of the materials. Sculptures devoted to the subject of food, designed from the 1960s, are shown alongside these works. The following works are on show: Michetta energetica[Energy Roll](1968), Tavolo riservato con scarpine [Reserved Table with Slippers](1980), Stallone Sylvestre(1986), Spadaccini infiammati [Flame Fencers] (1987) and Nocero Umbro(1991). In the same room there is also Omaggio a Armando Testa(1995), a tribute to Armando Testa by Haim Steinbach, which shows some icons of Armando’s advertising work next to an everyday object. Papalla,Caballero and Carmencitaall represent a narrative world that is well known to the general public, coupled with a more personal, intimate sphere symbolised by the frog character. The exhibition ends with Lampadina limone [Lemon Lightbulb], a brilliant invention of 1968, and an emblem and symbol of Armando Testa’s creative spirit coupled with his subtle sense of humour.

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La Galleria Lia Rumma è lieta di presentare la personale di Armando Testa, dal titolo “punto e basta”.

Armando Testa è stato uno dei più grandi creativi italiani, protagonista della cultura visiva contemporanea, creatore di simboli entrati a far parte del nostro immaginario collettivo. L’artista ha esplorato molteplici linguaggi riuscendo a creare capolavori senza tempo, la cui modernità è oggi fonte di ispirazione per gli artisti contemporanei. Con le sue opere ha dimostrato una profonda conoscenza dei processi semiotici e visivi che stanno alla base del nostro sistema comunicativo, generando attraverso le sue immagini doppi sensi e nuovi significati. Frutto di un’approfondita ricerca d’archivio, la mostra presenta disegni,serigrafie e fotografie, ma anche dipinti, sculture e opere di design con l’obiettivo di esplorare gli aspetti concettuali dell’opera di Testa, sottolineando come le sue intuizioni comunicative spesso fossero il frutto di un processo creativo che partiva dall’arte, per poi trasformarsi e creare immagini capaci di cogliere i cambiamenti in atto e un futuro non ancora visibile a tutti.  Un esempio perfetto di questo processo è la scultura Uno e mezzo(1960) presente nella prima sala espositiva: quello che tutti noi conosciamo come Punt e Mes, immagine legata al logo del famoso vermouth Carpano, nasceva in realtà come scultura minimalista alla metà degli anni Cinquanta, composta da un’essenziale sfera e mezza. Ad accompagnare l’opera, nella prima sala, sono allestite anche una serie di lavori che fondono l’interesse di Armando Testa per l’arte e per il design. Su una parete sono infatti esposte una serie di opere realizzate in laminato, con la sovrapposizione di ricercate cornici d’epoca che sottolineano la valenza pittorica delle opere stesse, un omaggio dichiarato al grande Piet Mondrian. Ricordano quelle utilizzate per incastonare antichi specchi sostituiti dai quadri realizzati con linee perpendicolari e campiture di colore geometriche, di colori primari, assieme al bianco e al nero, come se Testa ci indicasse che invece di specchiare noi stessi, dovremmo aspirare alla continua ricerca di equilibrio e perfezione formale che Mondrian aveva intuito nella sua arte. Di fronte ad ognuno di questi quadri è collocata la famosissima  Sedia AT(1990), realizzata utilizzando la forma delle sue iniziali negli elementi essenziali: la seduta (a forma di A) e la spalliera (a forma di T). Queste sedie hanno un valore performativo, Testa si è ispirato ad una situazione reale, probabilmente una delle tante conferenze a cui partecipava, in cui il relatore di turno risultava noioso. Per questo ha ipotizzato una sala piena di queste sedie e il pubblico, se stesso compreso, che ad un certo momento si siede a cavalcioni, con le braccia e il capo sulla T in modo da fare, nei momenti più critici del congresso, una solenne russata. Queste sedie, come da sua indicazione, sono allestite in mostra come se mimassero gli inginocchiatoi delle chiese, per esprimere ancora di più il desiderio di specchiamento e al tempo stesso di contemplazione delle forme geometriche delle opere ispirate a Mondrian. Completano la sala altre tre opere. Una sedia-matita in cui una delle gambe è rappresentata da una matita che trafigge la seduta, creando un precario equilibrio. L’oggetto simboleggia l’idea dell’odio e amore verso la sua professione: martirio del corpo perché costretto su una sedia per diverse ore, ma allo stesso tempo, gioia della mente che crea. Accanto, è presentato l’Armadio Y (1971) che rappresenta nel nostro immaginario e nel suo utilizzo, uno degli elementi identitari di una persona. Testa pensa di decorarlo con una grande lettera dell’alfabeto in rilievo: l’accostamento di lettere diverse si presta alla creazione di messaggi personali. Le opere sono accompagnate dalla Sedia Antropomorfa(1976) la quale contiene in sé l’idea dell’oggetto e della persona. Al primo piano il tema dominante è rappresentato dalle mani e in particolare dalle dita. Quella per le dita era una vera e propria ossessione per Testa, che utilizzerà spesso come iconografia delle sue opere, come nella composita serie di disegni, acquarelli e piccoli dipinti esposta su una delle pareti della galleria e realizzati a partire dagli anni Sessanta; così com’è nella serie di foto allestita nella parete opposta. La scelta allestitiva deriva dalla volontà di sottolineare come l’immagine delle mani e delle dita abbracci idealmente il resto delle opere qui esposte come espressamente testimoniato dalla serie di sculture di ceramica Mani, realizzate tra il 1969 e il 1987 e, in modo più sottile, nella scultura dell’Aquila meccanica (1977), il cui realismo è stravolto dall’inserimento dell’occhio meccanico e dal colore destabilizzante della vernice industriale che ricopre le piume dell’uccello regale, che rappresentano, ancora una volta a sottolineare l’importanza del ruolo e delle iconografia delle mani, le impronte digitali dell’artista. Infine al secondo piano, il percorso espositivo si completa con alcune realizzazioni tra le più conosciute e famose, nate a partire dalla fine degli anni Cinquanta: animali e personaggi fantastici che hanno origine spesso da giochi di accostamenti tra il linguaggio Pop dei soggetti e il Surrealismo dei materiali utilizzati. Si accostano a queste opere sculture, dedicate al tema del cibo, concepite a partire dagli anni Sessanta. Sono visibili in mostra: Michetta energetica(1968), Tavolo riservato con scarpine(1980), Stallone Sylvestre(1986), Spadaccini infiammati(1987) e Nocero umbro(1991). Nella stessa sala è allestita l’opera Omaggio a Armando Testa(1995) che Haim Steinbach gli ha dedicato e che presenta alcune icone del lavoro pubblicitario di Armando, accostate ad un oggetto quotidiano. Papalla, Caballero e Carmencitarappresentano una dimensione narrativa, più conosciuta al grande pubblico, a cui si fonde una sfera più personale e intima simboleggiata dal personaggio del ranocchio. Chiude la mostra la Lampadina limone, geniale invenzione del 1968, emblema e simbolo dell’energia creativa di Armando Testa ammantata dalla sua ironia.

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